Les meubles et L’art contemporain.

L’art contemporain ne peut laisser indifférent. Il est, de par sa nature, intrinsèquement conçu pour susciter des réactions. Contrairement à l’art dit classique, qui obéit souvent à des normes esthétiques établies, l’art contemporain explore des territoires nouveaux, parfois déroutants, qui interrogent notre perception de l’art, de la société, et de nous-mêmes. Il joue avec les conventions, les transgresse, et s’inscrit dans un dialogue constant avec son époque.
Il repousse les limites du beau et du laid, du sens et du non-sens. Il peut provoquer des émotions vives, allant de la fascination à l’incompréhension, voire au rejet. D’autres fois, il émeut, en capturant des vérités que nous peinons à exprimer autrement.
De plus, l’art contemporain se nourrit de la diversité des médiums et des techniques, intégrant le numérique, la performance, l’installation, la vidéo, et bien d’autres formes d’expression. Cette diversité amplifie son impact, car elle parle à des publics variés et se manifeste dans des contextes multiples, des musées aux espaces urbains, rendant l’art accessible tout en le confrontant à des réalités complexes.

Doris Salcedo

Doris Salcedo est une artiste colombienne qui utilise des meubles brisés et des matériaux trouvés pour créer des œuvres qui explorent les thèmes de la mémoire collective, de la violence et de la perte. L’une de ses œuvres les plus célèbres est “Untitled” (2003), une installation qui utilise une multitude de chaises brisées pour représenter les victimes de la violence en Colombie.
Cette oeuvre présentée à la Biennale d’Istanbul, en 2003, présente environ 1500 chaises insérées entre deux pans de murs extérieurs.

https://publicdelivery.org/doris-salcedo-chairs/
https://fr.wikipedia.org/wiki/Doris_Salcedo

Tadashi Kawamata

Tadashi Kawamata est un artiste japonais qui utilise des meubles trouvés et des matériaux de construction pour créer des structures temporaires dans l’espace public.
Célèbre pour ses installations in situ qui transforment les espaces urbains et architecturaux en œuvres d’art immersives, il crée des structures éphémères qui dialoguent avec leur environnement, questionnant les notions d’habitat, de communauté et de mémoire collective. Son travail, à la croisée de l’art et de l’architecture, invite à reconsidérer notre rapport à l’espace et aux éléments qui composent notre quotidien.

Une de ses œuvres les plus célèbres mettant en scène des meubles est “Chairs for Abu Dhabi” (2012). Dans cette installation, Kawamata a empilé des centaines de chaises en bois de manière chaotique pour former une structure monumentale et organique. Exposée à l’exposition de la Saadiyat Island à Abu Dhabi, cette œuvre interrogeait les notions de communauté, de rencontre, et de l’accumulation d’objets ordinaires pour créer une installation d’une grande puissance visuelle. Les chaises, symboles de repos et de rassemblement, étaient ici transformées en une sculpture complexe, presque vivante, engageant le spectateur à réfléchir sur l’usage et le symbolisme des objets du quotidien.
On peut également citer sa série “Nest“. Dans cette série, Kawamata crée des structures évoquant des nids géants, souvent réalisés avec des chaises en bois, qui s’accrochent aux façades de bâtiments, s’installent dans les arbres ou s’intègrent à des structures existantes dans l’espace urbain. Cette série a été présentée dans plusieurs villes du monde, y compris à Paris, New York, et Tokyo.

https://fr.wikipedia.org/wiki/Tadashi_Kawamata
https://www.lespecialiste.be/l-artiste-tadashi-kawamata-chaises-immeuble-a-paris.html
https://www.e-flux.com/tadashi-kawamatathe-nest/
https://www.wikiart.org/fr/tadashi-kawamata

Rune Guneriussen

Rune Guneriussen est un artiste contemporain norvégien qui utilise le mobilier comme matériau pour créer des installations dans l’espace naturel. Il utilise des meubles trouvés tels que des chaises, des tables et des lampes pour créer des œuvres qui questionnent les relations entre l’homme et la nature.
Il utilise souvent des meubles anciens ou usés, les plaçant dans des endroits sauvages ou isolés, comme dans les forêts, les montagnes ou les rivières, créant ainsi une sorte de contraste entre les objets modernes et l’environnement naturel. Il joue également avec la lumière, utilisant des lampes pour illuminer ses installations de nuit, créant ainsi des scènes magiques et surréelles.
Ses œuvres sont souvent photographiées et parfois filmées pour être partagées avec un public plus large, et elles ont été exposées dans de nombreux pays à travers le monde. Ses œuvres invitent les gens à se questionner sur les relations entre l’homme et la nature, sur la durabilité et sur la présence humaine dans l’environnement.

http://www.runeguneriussen.no
https://coolhunting.com/culture/rune-guneriusse/
https://www.citescope.fr/evenement/la-conscience-de-leau/

D’autres oeuvres reinterprétant le meuble.

Il y a de nombreux autres exemples d’installations d’art contemporain utilisant des meubles.

“The Dinner Party” (1974-1979) de Judy Chicago, qui est une installation qui utilise une table en forme de triangle pour représenter l’histoire des femmes dans l’histoire de l’art. La table est recouverte de porcelaine et de céramique, et est décorée de noms de femmes célèbres.

One and Three Chairs de Joseph Kosuth (1945, États-Unis) est une œuvre datant de 1965, emblématique du mouvement de l’art conceptuel. Elle appartient à la série One and Three, que Joseph Kosuth entame en 1965 (il est né en 1945). Cette pièce se compose de trois éléments : une chaise physique, une photographie de cette même chaise, et un texte expliquant la définition de la chaise. L’œuvre explore les relations entre l’objet, son image et son concept, questionnant ainsi la nature de la représentation et de la perception. En mettant en parallèle ces trois formes de la chaise, Kosuth invite à réfléchir sur la manière dont nous comprenons et interprétons les objets autour de nous, soulignant la distance entre la réalité, l’image et la définition intellectuelle.

https://www.centrepompidou.fr/fr/ressources/oeuvre
https://fr.wikipedia.org/wiki/One_and_Three_Chairs

Fat Chair. 1964–85, de Joseph Beuys.
“Fat Chair” est une œuvre emblématique de l’artiste allemand Joseph Beuys, créée entre 1964 et 1985. Elle représente une chaise ordinaire recouverte de graisse, un matériau souvent utilisé par Beuys dans son travail. Ce choix de matériau est profondément symbolique : pour Beuys, la graisse symbolisait la chaleur humaine, l’énergie vitale, et la capacité de transformation.
L’œuvre incarne la démarche artistique de Beuys, qui cherchait à réinventer le rôle de l’art et de l’artiste dans la société. En utilisant des matériaux organiques et en créant des formes simples mais puissantes, Beuys posait des questions sur les relations entre l’objet, l’humain et son environnement. La graisse, malléable et changeante, contraste avec la rigidité de la chaise, suggérant une interaction entre le corps et l’objet, entre la matière et l’esprit.
https://medium.com/counterarts/joseph-beuys-fat-chair

Waiting Rooms and Offices (2003) d’Adrienne Spier
“Waiting Rooms and Offices” est une œuvre de l’artiste canadienne Adrienne Spier, réalisée en 2003. Cette installation explore les espaces impersonnels et fonctionnels que sont les salles d’attente et les bureaux, lieux souvent associés à l’ennui, à l’anxiété, ou à la bureaucratie. En reconstituant ces environnements avec un regard critique, Spier invite le spectateur à réfléchir sur les aspects monotones et standardisés de ces espaces du quotidien. L’œuvre soulève des questions sur la manière dont ces lieux influencent notre comportement, notre patience, et notre perception du temps.
https://www.dare-dare.org/fr/evenements/adrienne-spier

Les Envahisseurs de l’Espace II (2022) de Guillaume La Brie
“Les Envahisseurs de l’Espace II”, œuvre de l’artiste français Guillaume La Brie, réalisée en 2022, plonge le spectateur dans un univers captivant où l’imaginaire et la science-fiction se rencontrent. Cette installation se caractérise par ses éléments visuels et sonores évoquant une invasion extraterrestre, tout en jouant avec les codes de la culture pop et de l’architecture futuriste. À travers des matériaux variés et des techniques innovantes, La Brie recrée des environnements immersifs qui semblent à la fois familiers et étrangement distants. L’œuvre explore les thèmes de l’altérité et de la rencontre avec l’inconnu, tout en questionnant notre place dans un cosmos souvent perçu comme menaçant ou fascinant.
https://galerie.uqam.ca/guillaume-la-brie-les-envahisseurs-de-lespace-ii/

Tous ces artistes utilisent le mobilier comme matière première pour créer des œuvres qui invitent les visiteurs à se questionner sur la fonction et la signification de ces objets dans leur quotidien. Par le biais de transformations inattendues ou de contextes revisités, ils provoquent une réflexion sur les interactions humaines et les perceptions de l’espace, soulignant la manière dont les objets du quotidien peuvent révéler des couches profondes de signification et d’émotion.

Photo de couverture : Garden Tower in Toronto by Tadashi Kawamata@Jackman Chiu